13 mar. 2018


Cansina

Floja, chapucera, mediocre, plomiza, lamentable, decepcionante, reiterativa, vacía, funesta, abusiva, bochornosa, aburrida, plomiza, locura de producción que no ofrece nada novedoso, haciendo que todo resulte desechable.

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Un grupo de expatriados que trabajan en un edificio Colombia se ven atrapados en su lugar de trabajo mientras una voz les hace plantearse dudas morales sobre qué hacer en situaciones límites.
El argumento es, en apariencia, sencillo, y los responsables de la película ofrecen un en apariencia tratamiento elegante y cuidado de la imagen, dejando un pequeño relato que abusa de situaciones vistas con anterioridad en otras producciones.

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Malas interpretaciones y multitud de personajes que no merecen la pena, en una historia demasiado empleada en el cine actual. Un argumento muy lineal que no va a ninguna parte. En resumidas cuentas, The Belko experiment, falla y decepciona en demasiados aspectos. 


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Atractiva complejidad

Fría, ingeniosa, perturbadora, complicada, misteriosa, tramposa, rara, irregular, indefinida, extraña, peculiar, terrorífica, confusa, atípica, aburrida, intrigante, fabulosa e incatalogable producción que mezcla todo tipo de géneros y que no deja indiferente.

Para intentar superar la reciente y trágica pérdida de su hija, un matrimonio se traslada a Venecia con el encargo de restaurar una vieja iglesia. Durante su estancia conocerán a un par de ancianas que dicen haber entrado en comunicación con su difunta hija y que les advierten de un peligro inminente. 
El argumento es, en apariencia, sencillo, y los responsables de la película ofrecen un tratamiento descuidado de la imagen, dejando un pequeño relato que ofrece numerosos alicientes para mantener el interés.

Amenaza en la sombra, es ese tipo de producción que requiere máxima atención y es posible que no se llegue a entender por completo. Una vez se encajan las piezas del puzle, todo tiene sentido por increíble que parezca. Es ese tipo de cine raro y atrevido que puede no gustar, pero que tiene sus puntos a favor.


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Juguemos


Caballero: "¿Por qué, al menos, no me es posible matar a Dios en mi interior?. ¿Por qué prefiere vivir en mí de una forma tan dolorosa y humillante, puesto que yo le maldigo y desearía expulsarlo de mi corazón?. ¿Sabes?. Estoy a punto de llegar a una conclusión... Creo que Dios es una especie de realidad engañosa, de la cual los hombres como yo no podemos desprendernos... Por eso yo quiero saber. No deseo creer. Ni suponer, sino saber... Deseo que Dios me tienda la mano, ver su rostro y que me hable”.
Muerte: “Pero se calla”.
Caballero: “Así es... Le grito en medio de la noche, pero es como si no hubiera nadie en ningún sitio”.
Muerte: “Puede que no haya nadie”.
Caballero: “Sí, ya lo he pensado. Pero, en ese caso, la vida sería un horror absurdo. Nadie es capaz de vivir con la muerte ante sus ojos y creyendo que todo ha de desembocar en la nada más absoluta”.
Muerte: “La mayor parte de los hombres no piensan ni en la muerte ni en nada”.
El séptimo sello (Ingmar Bergman)

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13 feb. 2018


Partida de ajedrez a muerte

Única, poética, profunda, cómica, trágica, irónica, atemporal, implacable, tediosa, misteriosa, arriesgada, imaginativa, pretenciosa, diferente, cruel, divertida, enigmática, irregular, confusa e irrepetible producción, que presenta y desarrolla una experiencia por la que todo ser vivo deberá pasar antes o después, la muerte.
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El director y guionista, Ingmar Bergman (Gritos y susurros), desarrolla un argumento enigmático, evocador, atractivo y muy personal, dando paso a una historia peculiar y llena de imaginación en la que un caballero atormentado y lleno de dudas éticas y filosóficas, se encuentra con la muerte que lo reclama. En ese momento, él le propone jugar una partida de ajedrez, con la esperanza de obtener de Ella respuestas a las grandes cuestiones de la vida: la muerte y la existencia de Dios. 
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Ingmar Bergman, crea una película peculiar, surrealista, original, propia, arriesgada y provocadora, con la que consigue poner de manifiesto la crudeza del estilo de vida en la edad media, desarrollando una historia que ofrece innumerables metáforas, lecturas y pensamientos, sobre la vida, la fe y la propia muerte.
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El séptimo sello, se apoya y beneficia de unos diálogos profundos, poéticos y magnéticos, en los que se presentan y desarrollan diversas inquietudes que ha tenido el ser humano a lo largo de su historia. Fe, muerte y vida, son las piezas claves de una partida indispensable.
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No es la película perfecta y presenta algunos puntos en los que el nivel técnico e interpretativo, no llegan a resultar sensacionales. Pero más allá de estas irregularidades, queda el peso de las lecturas y cuestiones que llega a dejar en el espectador.
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En resumidas cuentas, El séptimo sello, puede gustar más o menos, pero queda como una obra de culto que no deja indiferente a nadie. Una obra visionaria y adelantada a su tiempo, pero válida para cualquier tiempo.  





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La misión (The Mission) (1986)


Misión con emoción

Poética, intensa, inspiradora, arriesgada y deslumbrante historia de superación y redención que presenta la historia de dos hombres que toman parte de la puesta en marcha de una misión por la independencia de los nativos. Cada uno de ellos tiene su forma de hacer frente al reto que les ocupa, Gabriel confía en el poder de la oración; Rodrigo, en la fuerza de la espada. 

El argumento es, en apariencia, sencillo, y los responsables de la película ofrecen un tratamiento elegante y cuidado de la imagen, dejando un apasionante relato plagado de mensajes intensos, acompañados por unos paisajes preciosistas, en los que la fe, la lucha y el amor por el prójimo unirá personalidades encontradas.

Cuenta con una cuidada fotografía, buenos paisajes y una banda sonora compuesta por el maestro italiano, Ennio Morricone, dejando muestras de su delicadeza a la hora de componer. Una pieza que encaja bien en las secuencias empleadas, llegando a emocionar y encandilar al espectador, en un relato lleno de crudeza y belleza.

El director, Roland Joffé (Los gritos del silencio), confecciona una historia llena de emoción y crudeza, donde consigue demostrar su sensibilidad y elegancia a la hora de rodar diversas secuencias, logrando llevar al espectador por un viaje personal intenso y emocionante que llega a erizar la piel.

La misión ofrece numerosos instantes de emoción, toda una serie de aventuras y momentos que deben vivir y sufrir los protagonistas para resolver un tema que está por encima de sus posibilidades y conocimientos, una gran aventura donde crecer como personas y con la que ganarse algo más que su propio respeto. Todo un ejemplo de lucha y superación, digna de verse. No deja indiferente.

Se apoya en un sensacional reparto, destacando el gran trabajo de sus protagonistas, unos soberbios y colosales, Robert De Niro y Jeremy Irons, en un trabajo intenso, emotivo, delicioso y poético, donde todo tiene aroma a cine de calidad.
La misión, engloba y recoge numerosas ideas y sentimientos acerca de: superación, entrega, Fe, lucha, amor, amistad, honor, sacrificio y gloria, alcanzando al espectador en lo más profundo.

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6 feb. 2018

Frases de cine, Tiburón


Es hora de cenar

¿Sabe una cosa sobre los tiburones? Tienen ojos sin vida. Ojos negros, como los de un muñeco. Cuando se acercan a uno, parecen estar sin vida... hasta que te muerden, y eso ojos negros, se vuelven blancos y entonces... Entonces se oyen esos gritos de terror terribles y el océano se vuelve rojo.
-          TiburónSteven Spielberg (1975).

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4 feb. 2018


Llamada del horror

"Ya sé que los muertos deben estar callados. ¡Déjame morir!, será lo mejor... ¡No lo soporto más! No me atrevo a mirarme, ni tocarme la cara por miedo a sentir los surcos y las grietas en mi piel...".
Los ojos sin rostro (1960) - Georges Franju







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25 ene. 2018


Farsa criminal

Ingeniosa, defectuosa, intrascendente, pasajera y divertida película dirigida por la atrevida directora española, Inés París (Semen, una historia de amor), desarrollando una historia peculiar sobre un grupo de personajes fracasados que buscan sacar adelante un proyecto cinematográfico de la forma que sea necesaria.
Inés París desarrolla una trama plagada de su peculiar sentido del humor negro, apoyándose en un guion personal coescrito con uno de los grandes representantes del cine español, Fernando Colomo, desarrollando una trama que les permite explotar su ingenioso sentido del humor.

La noche que mi madre mató a mi padre, reúne los elementos habituales del cine español, confeccionando una atractiva historia sobre el éxito, el crimen, la familia y el concepto de la pareja. En un genuino y original trabajo que ofrece numerosos instantes divertidos, con una galería de personajes peculiares. En este punto es inevitable destacar la labor de su reducido elenco, compuesto por : Belén RuedaEduard FernándezDiego PerettiMaría PujalteFele Martínez.
La directora y guionista juega con la idea del famoso crimen perfecto y lo traslada a su cine, realizando guiños y pequeños homenajes a Crimen perfecto, El bar, Mirindas asesinas, Un cadáver a los postres, Ensayo de un crimen, Cluedo, Crímen ferpecto y a otras películas relacionadas con la idea de un crimen perfecto. Tiene una forma ingeniosa y peculiar de presentar la historia, empleando una extraña interacción con el espectador, haciéndolo participe o cómplice de los extraños pensamientos de los personajes principales.

Un guion original, divertido y satisfactorio, con el que Inés París, demuestra su facilidad para desarrollar historias cómicas de los sucesos de la vida cotidiana. A pocos se les hubiera ocurrido semejante espectáculo criminal plagado de momentos divertidos e ingeniosos.
La noche que mi madre mató a mi padre, no llega a ser completamente perfecta, puesto que en determinados momentos riza demasiado el rizo, pero posee numerosos puntos de interés para salvarse de la quema, esquivando con inteligencia el aburrimiento de algo previsible.




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20 ene. 2018

Ghoulies (1985)


Rituales del demonio

Nos encontramos ante una de esas producciones de finales de los años 80 y principios de los 90, donde se realizaba un tipo de cine desenfadado y entrañable en el que se buscaba el entretenimiento del espectador, apoyándose en todo tipo de relatos en los que se mezclaban la aventura, el terror y el humor. En este caso, Ghoulies, presenta la historia de un joven que hereda la mansión de su tío, un habitual de los rituales satánicos.

En la fiesta de inauguración de su nueva casa, decide inspirarse en una serie de rituales satánicos para dar una sorpresa a los presentes, pero algo terrible sucede... Conjura a una horda de pequeños "Goblins" llamados Ghoulies. Pequeños y malévolos espíritus que intentarán por todos los medios crear un ritual, en el cual sacrificarían a todos los presentes, para que se abran las puertas del infierno y escape el mismísimo Diablo.
El punto de partida de la película resulta interesante y atractivo, despertando desde un comienzo el interés del espectador en ver cómo se van a ir desarrollando los acontecimientos. Por desgracia, los responsables de la película caen en un bucle innecesario de situaciones, perdiendo la esencia del relato.

El estilo visual y el nivel interpretativo que ofrecen los integrantes del reparto colocan a la película en la categoría de producción floja y desenfadada, donde se pretendía ofrecer instantes de terror combinados con humor de una forma dinámica, algo que, en realidad, no se consigue en ningún momento. Los responsables de la película debieron pasarlo bien organizando todo los rituales satánicos  que se realizan en la casa, pero lo cierto es que el paso del tiempo deja en mal lugar a la película.
Posiblemente muchos de los jóvenes que vieron películas del videoclub la recuerden con añoranza y como una buena combinación de terror y humor, pero lo cierto es que me ha resultado muy irregular, sin quedar claro hacia dónde va el argumento en ningún momento, ofreciendo una combinación absurda entre situaciones del mundo real y del mundo imaginario.

Como ya mencionaba anteriormente, no cuenta con unas grandes interpretaciones. De hecho, pueden llegar a resultar bochornosas y lamentables. Uno de los atractivos de la película reside, en gran medida, en el empleo de unos efectos artesanales donde se aprecia notablemente el empleo de maquetas y criaturas creadas a base de goma y silicona. Uno de los puntos que pueden resultar encantadores.
El director y guionista, Luca Bercovici, cae en la reiteración de ideas y situaciones, haciendo que todo resulte monótono y pesado, destacando la insistencia en los rituales satánicos, algo que resta interés y fluidez a los acontecimientos que se dan en la casa.

Es notoria la falta de presupuesto, ya que gran parte de la película transcurre en los mismos escenarios y da la sensación de ser una obra de pobre y descuidada. No consigue resultar magnética y el atractivo se diluye como el papel higiénico en el agua.

En resumidas cuentas y tirando de mi criterio personal, debo decir que Ghoulies, es de todo menos diabólicamente divertida. Digamos que me ha resultado pesada y, por momentos, aburrida, así que evitaré caer en un futuro en la misma trampa. Seguro que tiene sus seguidores y defensores, pero digamos que yo no me encuentro entre sus filas.


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20 dic. 2017

Sigue el acoso


Vaya sorpresa

Según informa el portal The Daily Beast, el actor TJ Miller ha sido acusado de acoso sexual. La víctima alega que fue agredida física y sexualmente en numerosas ocasiones. Tanto Miller como su esposa han negado las acusaciones. Vaya sorpresa más sorprendente. Parece que ahora todo van a ser noticias de acoso y abusos. Esperemos que no pasen más casos similares y que se siga conociendo la verdad. Parece que el acoso y los abusos ya no quedarán en la sombra. 

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17 dic. 2017

Clooney para revisar el Watergate


Nada novedoso

George Clooney se encuentra desarrollando una serie sobre el escándalo Watergate. Por el momento la misma tiene intenciones de estrenar en Netflix pero aún eso podría cambiar.
El escándalo Watergate ocurrió en la década de los 70 en Estados Unidos. Cinco personas fueron detenidas y acusadas de robar documentos en la sede del Partido Demócrata, en Washington. Una historia que se ha tocado en el mundo del cine en películas, como Nixon y Todos los hombres del presidente. No parece que sea algo muy novedoso, veremos lo que consigue hacer.
Otros trabajos destacados de los protagonistas



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16 dic. 2017


Gran recuerdo de infancia

Nos encontramos ante una de esas producciones de finales de los años 80 y principios de los 90, donde se realizaba un tipo de cine desenfadado y entrañable en el que se buscaba el entretenimiento del espectador, apoyándose en todo tipo de relatos en los que se mezclaban la aventura y el humor. En este caso, Howard: un nuevo héroe, presenta la historia de un entrañable y peculiar personaje teletransportado por error a la tierra, un pato.

Desde un lejano planeta, y debido a un error de un laboratorio espacial, llega a La Tierra teletransportado un extraño personaje, un pato que dice llamarse Howard. Es acogido en casa de una joven que es vocal de un grupo de rock. Cuando un experimentado doctor intenta devolverle a su planeta, la energía diabólica del experimento le atrapa, transformándole en el terrible Señor de las Tinieblas y Howard tendrá que enfrentarse a él.
La premisa inicial deja claro que los responsables de la película pretenden ofrecer un entretenimiento plagado de humor y terror, repartido a partes iguales, realizando un pequeño homenaje al cine de terror, con un guiño especial a los extraterrestres.

El estilo visual y el nivel interpretativo que ofrecen los integrantes del reparto colocan a la película en la categoría de producción floja y desenfadada, donde se pretendía ofrecer instantes de terror y ciencia ficción combinados con humor de una forma dinámica, algo que, en realidad, se consigue gracias al carisma y simpatía que despierta el pato protagonista. Los responsables de la película debieron pasarlo bien explotando todo tipo de ideas ingeniosas alrededor del estilo de vida de Howard.
El director, Willard Huyck (La mejor defensa... ¡El ataque!), logra captar la atención del espectador gracias a unos personajes entrañables y a toda una serie de circunstancias que hacen que la acción y el interés no decaigan en ningún momento, logrando ofrecer un entretenimiento de primera calidad.

Como ya mencionaba anteriormente, no cuenta con unas grandes interpretaciones. De hecho, pueden llegar a resultar bochornosas y lamentables. En este punto es inevitable mencionar la participación de un joven y casi irreconocible, Tim Robinns. Futuro ganador del Oscar como mejor secundario por la película de Clint Eastwood, Mistyc River.
Uno de los atractivos de la película reside, en gran medida, en el empleo de unos efectos artesanales donde se aprecia notablemente el empleo de maquetas y criaturas creadas a base de goma y silicona.

Los responsables de la película, logran encontrar el tono acertado para el relato, ofreciendo diversión y aventuras que nos permiten conocer a un grupo particular de personajes carismáticos e incluso entrañables, condenados a entenderse de alguna forma.
Uno de esos casos que la crítica pone a caldo y que para mí, aficionado al cine y crítico por entretenimiento, sigue teniendo su espacio entre mis grandes recuerdos de infancia.




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Relleno empalagoso y forzado

George Lucas firma el guion y dirige el segundo episodio de una nueva trilogía de Star Wars, con la que pretende completar su apoteósica y exitosa saga galáctica, presentando y desarrollando los acontecimientos posteriores a lo ocurrido anteriormente en La guerra de las galaxias. Episodio I: La amenaza fantasma. Algo que puede sonar extraño, pero que llega a funcionar con relativo éxito.
Corren tenebrosos e inestables tiempos para la República, envuelta en luchas internas y sumida en el caos. Un movimiento separatista, formado por centenares de planetas y poderosas alianzas encabezadas por el misterioso conde Dooku, amenaza la galaxia. Ni siquiera los Jedi parecen capaces de conjurar el peligro. Este movimiento provoca el estallido de las guerras clones, que representa el principio del fin de la República. Para allanar el camino, los separatistas intentan asesinar a la senadora Padme Amidala. Para evitar futuros atentados, su seguridad es encomendada a dos viejos conocidos caballeros Jedi…


El creador de una de las franquicias más importantes y conocidas del mundo del cine, regresa a la galaxia con la que cosechó grandes éxitos, afrontando un viaje arriesgado y pretencioso, con el que completar un trabajo que comenzó en los años 70 con La guerra de las galaxias. Episodio IV: Una nueva esperanza. Un trabajo con el que cambio las tendencias del cine de Hollywood, creando un universo apasionante, apoyándose en unos portentosos efectos artesanales que le permitieron desarrollar las ideas que tenía.
En El ataque de los clones, George Lucas se olvida de las limitaciones técnicas y apuesta por desarrollar su universo personal, empleando todas las tecnologías digitales, en una historia que va presentando y desarrollando las aventuras de los futuros protagonistas de la saga. Una tarea complicada y aparatosa que va tomando forma, en un desarrollo tramposo y forzado, en el que el director lleva al espectador por un apasionante viaje épico de aventuras espaciales, visitando nuevos mundos de Star Wars.


George Lucas se deja llevar por el entusiasmo y llena el relato de unos apabullantes y excesivos efectos digitales, con los que desarrolla una trama simple y por momentos forzada, donde hay espacio para las habituales batallas galácticas, el amor, la estrategia, la traición, la amistad, el humor y las aventuras.
En este segundo episodio, presenta unos personajes más desarrollados, cuyo destino condiciona gran parte de un argumento que para muchos seguidores de la saga galáctica, debía respetarse. Por este motivo, centra sus intentos en dar credibilidad a una historia de amor necesaria, preparando y colocando a sus protagonistas, en diversas situaciones con las que encajar todo. En este punto es inevitable mencionar los comportamientos caprichosos y rebeldes del joven e impetuoso, Anakin Skywalker. Papel para el que fue seleccionado con relativo acierto, Hayden Christensen. Digo relativo acierto, puesto que para dar credibilidad al fondo dramático de la historia, no llega a funcionar.


George Lucas se apoya en un reparto plagado de intérpretes de renombre, entre los que podemos destacar la presencia de Ewan McGregor, Samuel L. Jackson, Ian McDiarmid, Natalie Portman y Christopher Lee. Éste último encarnando a uno de los personajes más atractivos de la película, alargando su sombra de maestro del terror, en un papel que le viene como anillo al dedo. Con este reparto, el creador de la famosa saga galáctica, coloca y va presentando una serie de personajes que en un futuro tendrán gran relevancia en el universo Star Wars, realizando la tarea complicada de dar cohesión y coherencia a lo visto en los episodios “clásicos”.


Como no podía ser de otra manera, este nuevo episodio, vuelve a contar con una banda sonora creada por John Williams, colaborador habitual de los episodios “clásicos”, dejando su huella en toda la saga. El compositor vuelve a demostrar su poderío, creando una nueva pieza musical apasionante, plagada de ritmo e intensidad, apoyada en unos coros apabullantes y energéticos. Williams no se olvida de la composición original y deja pinceladas notorias e inteligentes a ésta. En este punto, merece la pena destacar la pieza musical con la que George Lucas consigue dar credibilidad a la historia de amor necesaria, Across The Stars.


La guerra de las galaxias. Episodio II: El ataque de los clones, llega a ir encajando las piezas de un puzle galáctico de una forma que se antoja forzada y  en la que aun quedan muchas cuestiones y dilemas por resolver. Explota las posibilidades de un mundo digitalizado que se convierte en un arma de doble filo, puesto que George Lucas inunda la historia de apabullantes efectos especiales, en un relato que peca de forzado.


En resumidas cuentas, La guerra de las galaxias. Episodio II: El ataque de los clones, queda como una segunda entrega que no llega a superar a los episodios “clásicos”, convirtiendo todo en un relleno empalagoso, forzado y decepcionante al que le falta verdadero corazón.



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15 dic. 2017


Para Kidding

Showtime encarga Kidding, comedia sobre el presentador de un programa infantil (Jim Carrey) cuando su familia empieza a desmoronarse. Catherine Keener (Déjame salir, An American Crime) participará junto a Jim Carrey (Olvídate de mi, El show de Truman, The majestic, La mascara, Los pingüinos del Sr. Poper) en Kidding y será la fabricante de todas las marionetas del programa del protagonista (Carrey). 

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Mano larga

Después de la aparición de diversas acusaciones de acoso sobre Harvey Weinstein y Kevin Spacey, es el turno de Dustin Hoffman. En esta ocasión el dos veces ganador del Oscar, es acusado de acoso y abuso sexual por cinco mujeres, una de ellas menor de edad. Parece que corren malos tiempos para Dustin Hoffman. Su imperio de prestigio y respeto, se derrumba de una forma irremediable. Parece que tiene la mano muy larga.
Trabajos destacados de los protagonistas de la noticia

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