25 sept. 2017

Sinester II (2015)


Nada bueno y nada nuevo

Innecesaria y bochornosa secuela de la producción de terror, Sinester, con la que los responsables de la misma, pretenden repetir el incomprensible éxito de la primera parte.
El encargado de dirigir el proyecto, Ciarán Foy, es un habitual de los encargos de la industria y se ocupa también de firmar parte del guion, junto con el director de la primera entrega, Scott Derrickson (Líbranos del mal, Ultimátum a la tierra, El exorcismo de Emily Rose, Doctor Extraño).


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Nos encontramos ante una amalgama de situaciones presentadas con anterioridad, que se limita a ofrecer instantes de terror, apoyándose en una ambientación densa y oscura, acompañada por una banda sonora cargante y asfixiante, con la que consigue dar paso con efectividad a los sustos de rigor.
Más allá de algún que otro instante de terror logrado a partir de trucajes de sonido y manipulación de imagen e iluminación, el argumento no ofrece una base sólida. Todo lo ocurrido en la primera parte, no hacía pensar en una segunda entrega.


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Típica producción de corte televisivo, con pocos puntos a favor. Flojas interpretaciones y todo lo visto, deja sensación de ser lo mismo de otras veces, pero mal hecho. Personalmente, debo informar de que no me ha convencido en absoluto. Dudo mucho que alguien se atreva a apostar por una tercera entrega.
El empleo abusivo de algunas secuencias de terror, en principio aterradoras y sorprendentes, termina por resultar abusivo y reiterativo, haciendo que pierdan efectividad e incluso sean ridículas e incluso cómicas. Una demostración de lo que suelen ser las segundas partes que intentan sacar beneficio de un éxito inesperado.



En resumidas cuentas, Sinester 2, deja en buen lugar a su predecesora, al no ofrecer nada realmente nuevo, ni bueno.

Otros trabajos de sus responsables
·       Scott Derrickson (Líbranos del mal, Ultimátum a la tierra, Sinester, El exorcismo de Emily Rose, Doctor Extraño), 





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24 sept. 2017


No supera el puente de la corrección

Interesante y atractivo relato bélico que presenta y desarrolla el crudo enfrentamiento entre las tropas aliadas y el ejército alemán para hacerse con una posición estratégica de interés para ambos, El puente de Remagen.

La película posee el atractivo y el interés de un hecho histórico que se convirtió en elemento clave para la finalización de la segunda guerra mundial, puesto que el famoso puente de Remagen era un punto estratégico clave para el desarrollo de los acontecimientos.

El argumento ofrece y deja espacio para desarrollar la historia de ambos bandos, ofreciendo la visión y estrategia de los aliados y de los soldados alemanes, plasmando las inseguridades y metodologías de unos y otros, ante la misma situación. El director, John Guillermin (King Kong, El coloso en llamas, El cóndor, Muerte en el Nilo), logra ofrecer un trabajo sólido en su conjunto, ofreciendo un épico enfrentamiento bélico lleno de interés, donde el armamento y movimientos de los bandos enfrentados colisionan con violencia.

Las secuencias bélicas están bien coreografiadas y cuentan con unos espectaculares tanques de guerra que aportan verdadero realismo a los combates. Los responsables de la película intentan adentrarse en las inseguridades de los soldados de ambos bandos y las estrategias psicológicas para afrontar la guerra, destacando la labor de uno de los generales alemanes que, poniendo en riesgo su vida, desobedece las órdenes del mismísimo Hitler para evitar que el puente caiga en manos de las tropas aliadas.

Dentro del reparto seleccionado se aprecian unas interpretaciones discretas, entre las que destaca por encima de todas, la aportación de Robert Vaughn (Los siete magníficos, La vida es bella), espectacular en su papel de alto cargo alemán.

La película queda como un interesante relato bélico, pero no llega a superar la barrera de lo correcto, puesto que no llega a alcanzar las cuotas de dramatismo esperadas, algo que sin duda ocurrió en la vida real. 

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Convivir con la muerte

Lo que ocurre últimamente por el mundo de las noticias, nos ha hecho comprobar que la realidad en muchas ocasiones supera la ficción. Por este motivo, abrimos nueva sección En Mi Cine. En ella, haremos referencia a noticias que superan o coinciden con historias desarrolladas en algunas películas, dejando claro que en muchas ocasiones la realidad supera la ficción. Comenzamos con una noticia del 2017 que nos ha hecho recordar dos clásicos del terror y el suspense: La muchacha del sendero (1963) y A las nueve cada noche (1967). A continuación podéis leer lo sucedido en la vida real y el argumento de cada película. 

Noticia publicada el 24 de septiembre de 2017 en El mundo: La vida 'normal' de cuatro niños con sus padres muertos en casa.

  • Los pequeños convivieron durante días con los cadáveres de su madre y de la pareja de      ésta en su casa de La Zarza, en Huelva
  • Cuidaban los unos de los otros y acudían cada mañana a clase

Estaban acostumbrados a que su madre y la pareja de ésta, toxicómanos y alcohólicos los dos, les prestasen poca atención. Incluso había días en los que tenían que apañárselas solos porque los adultos que se suponía que tenían que cuidarles o no estaban o estaban colocados. Quizás por eso, a los cuatro hermanos a los que ayer rescató la Guardia Civil en la aldea de La Zarza, en Huelva, no les sorprendió demasiado que su madre y su padrastro se quedasen durante días en su dormitorio, sin dar señales de vida cuando, en realidad, llevaban muertos desde principios de esta semana.

Ambos estaba muertos, víctimas de una sobredosis o de un suicidio accidental -la causa exacta la determinarán las autopsias- y durante todos estos días, los cuatro hermanos -de 12, 6, 5 y 4 años de edad- han convivido con los cadáveres mientras se ocupaban unos de otros, comiendo lo que podían conseguir y manteniendo una terrible normalidad que incluía asistir a clase cada día.





  • Argumento de La muchacha del sendero: En apariencia, Rynn Jacobs es una encantadora jovencita de trece años que vive con su padre en un chalet, junto al sendero de un pueblecito de la costa norteamericana. Pero las apariencias pueden resultar engañosas: hace ya meses que nadie ve al señor Jacobs; da la impresión que la casa esconde algún secreto inconfesable.


  • Argumento de A las nueve cada noche: Cuando muere su madre tras una larga enfermedad, los siete hermanos Hook la entierran en el jardín, pues temen ser separados y enviados a distintos orfanatos. 
 





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23 sept. 2017

Rupert Everett en Mi novia es un zombie

Conexión Sclavi

Existe una gran conexión clara y evidente entre dos películas como: Mi novia es un zombie (1994) y Dylan Dog (2011). El punto en común de estas dos producciones, una italiana y la otra americana, reside en el autor de sus historias, Tiziano Sclavi. En el momento de la creación del famoso comic de Dylan Dog,  Sclavi se basó en el intérprete Rupert Everett (Mi novia es un zombie), para dar cuerpo a su creación. Una forma de cerrar el círculo.
Imagen del comic, Dylan Dog
Os dejo con las imágenes que muestran la conexión y el parecido razonable entre las dos.

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22 sept. 2017


Gore light

Producción de claro corte televisivo, apoyada en la novela gráfica de Tiziano Sclavi y dirigida por Kevin Munroe, en la que ofrece una mezcla de diferentes vertientes del género de terror, como el de los vampiros, zombis e incluso lo apocalíptico, con un tratamiento “Gore ligth” evidente.

La película surge de una premisa sencilla e interesante, aunque muy manida. Dylan Dog, un antiguo agente de Scotland Yard, trabaja como detective privado especializado en la investigación de fenómenos paranormales.  Se encarga de la dirección Kevin Munroe, un habitual de las producciones de bajo presupuesto y temática infantil, cumpliendo con su cometido y ofreciendo una respetable adaptación en imagen real.

El estilo visual y el nivel interpretativo que ofrecen los integrantes del reparto colocan a la película en la categoría de producción floja y desenfadada, donde se pretendía ofrecer instantes de terror combinados con humor de una forma dinámica, algo que, en realidad, no se consigue en ningún momento.

Como ya mencionaba anteriormente, no cuenta con unas grandes interpretaciones. De hecho, pueden llegar a resultar bochornosas y lamentables. Lo más destacado en este punto, recae en la presencia y participación de Brandon Routh (Scott Pilgrim contra el mundo, Amenazados, ¿Hacemos una porno?), intérprete seleccionado para la fallida, Superman Returns.

Nos encontramos ante la clásica producción de terror gamberra y pasajera que combina momentos de terror, con instantes cómicos, desarrollando una trama que recuerda y homenajea los clásicos de terror con monstruos.

Sin ser una maravilla inolvidable, Dylan Dog, es una producción honesta y sensata que logra hacer pasar un rato entretenido, alejándose de lo violento y grotesco.



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Rareza de culto a la muerte

Producción italiana apoyada en la novela de Tiziano Sclavi y dirigida por Michele Soavi, en la que ofrece una mezcla de diferentes vertientes del género de terror, como el de los lugares encantados, los zombis e incluso lo apocalíptico, con un tratamiento Gore evidente.

Peculiar e irregular relato que mezcla fantasía y realidad en un mundo de maldad y perversión, donde el sepulturero de un pequeño pueblo italiano, tiene que hacerse cargo de los recién fallecidos que, con cierta frecuencia, resucitan como zombis.

El director, Michele Soavi, ofrece un trabajo irregular al tiempo que curioso, donde deja espacio para la fantasía, el terror y el humor negro, realizando una crítica del mundo en el que vivimos. Con el paso del tiempo ha pasado a ser considerada una película de culto.

La premisa del argumento sirve de excusa perfecta para hilar toda una serie de sucesos macabros con toques Gore, donde no hay espacio para la lógica. Resulta interesante y atractiva la forma en que se van desarrollando las cosas, si bien es cierto que puede resultar excesivamente confusa en sus inicios. Uno de los puntos que logra mantener la atención del espectador radica en el sentido del humor negro que derrocha la película en numerosas secuencias. Ese humor despierta la simpatía y curiosidad del espectador.

El ritmo de la película llega a ser parsimonioso y únicamente logra mantener el interés del espectador a base de la sucesión de escenas macabras, las cuales se nutren en exceso del empleo de maquillaje. Un maquillaje convincente, pero que con el paso de los años ha quedado desfasado e incluso mediocre. El estilo visual y el nivel interpretativo que ofrecen los integrantes del reparto colocan a la película en la categoría de producción floja y desenfadada, donde se pretendía ofrecer instantes de terror combinados con humor de una forma dinámica, algo que, en realidad, no se consigue en ningún momento.

La idea es buena, la historia tiene cierto atractivo, pero de alguna manera no logra ser lo suficientemente entretenida. Cae en la reiteración de ideas y deja la sensación de que con un metraje más reducido hubiera funcionado mejor.

Personalmente, tengo que decir que, pese a su peculiaridad y atrevimiento, no ha llegado a gustarme por completo. Después de la sorpresa inicial con el empleo del humor negro y diversos puntos atractivos, el efecto se va desvaneciendo hasta llegar a resultar tediosa. No me caso con esta novia.






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Vuelve la fiesta del cine


Hay que aprovechar

¡La Fiesta del Cine ya está aquí!
16, 17 y 18 de Octubre es la fecha de la nueva edición de la Fiesta del Cine.

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21 sept. 2017



Tiempo de ser uno

Extraña, ingeniosa, terrorífica, divertida, emotiva y sorprendente producción japonesa de ciencia ficción que se atreve a adaptar el famoso manga de Hitoshi Iwaaki.
Espectacular y correcta adaptación del manga de Hitoshi Iwaaki que pasa los dibujos del papel a un universo de realidad con un desarrollo técnico muy curioso y elaborado. Producción japonesa que intenta respetar el Manga original y desarrollar una historia de extraterrestres atractiva. La premisa del argumento promete mucho y el resultado final puede satisfacer a muchos amantes del género.

Su director y máximo responsable del proyecto, Takashi Yamazaki (Returner), presenta y desarrolla toda una historia de ciencia ficción con unos  extraterrestres particulares. Unos seres extraterrestres que se introducen en el cerebro de los humanos tomando control de sus cuerpos. Un adolescente impide que se finalice el proceso cuando uno de estos alienígenas se introduce en su mano, terminando como parásito de su cuerpo en una relación en la que ambos tienen sus personalidades intactas. Juntos, lucharán contra el resto de parásitos que devoran humanos. 

Desde un primer momento esta adaptación de Parásito, hipnotiza por la calidad técnica de los efectos especiales, con una definición espectacular que sigue y demuestra que aún se puede seguir evolucionando el sector gráfico. La película presenta un argumento atractivo que permite a los responsables de la misma ofrecer unas emocionantes aventuras y batallas por la supervivencia de cada especie.

Los responsables de la película se han tomado en serio la adaptación de Parásito y han cuidado al máximo cada detalle en la elaboración de los rasgos de los personajes, dándoles un aspecto cercano a la perfección. Ante el amplio material de partida, han llevado a cabo la adaptación en dos partes: Parásito. Parte I y Parásito. Parte II.

La adaptación, dirigida a un público mundial, comete el error de no sentar las bases arguméntales con solvencia, haciendo que la trama se precipite con demasiada celeridad, algo que puede descolocar al espectador que desconozca de qué va el Manga original.

El estilo visual de la película deja en evidencia las limitaciones de la producción, algo que se traslada también al apartado interpretativo. Más allá de los efectos especiales y la calidad de los mismos, hay que decir que el relato que presenta la película ofrece espacio para momentos inquietantes de puro terror, combinados con un particular toque de humor.

La adaptación de Parásito no decepciona y me atrevería a decir que seguro que despierta el interés por los orígenes del manga, creando nuevos seguidores. Un producto altamente recomendable para todos.


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20 sept. 2017

Tarde para la ira (2016)


Sobria y certera

Atrevido y certero debut en la dirección del actor, Raúl Arévalo, ofreciendo un relato enigmático, pausado, sobrio e interesante, donde se presenta una historia sencilla en la que el dolor, el amor, la violencia y la sed de venganza, tienen mucho que decir.
Dirige y escribe el guion, Raúl Arévalo, creando  y confeccionando una historia magnética, incomoda y enfermiza que mantiene la atención del espectador a lo largo de su totalidad. El intérprete y ahora director, deja buena muestra de sus conocimientos cinematográficos, adentrando al espectador en una historia que, en un principio, puede resultar chocante e incluso confusa, que va tomando forma progresivamente, manteniendo y potenciando el interés del espectador.

El elenco de intérpretes seleccionado, cumple con creces, ofreciendo unas interpretaciones convincentes, en las que los personajes quedan perfectamente dibujados y logran llenar la pantalla. Gran labor de los dos protagonistas, encarnados por Antonio de la Torre (Que Dios nos perdone, La isla mínima, Inquilinos) y  Luis Callejo (El hombre de las mil caras, Mi gran noche). Inconmensurables en sus respectivos papeles. Mención especial en este apartado merece la escasa, pero intensa aportación de Ruth Díaz. Las interpretaciones son naturales y se sienten reales, pero hay problemas con el sonido. Parece que todos susurran, dificultando la comprensión de algunos diálogos.

El director se apoya en los pocos elementos con los que cuenta, para desarrollar una historia magnética y llena de interés, apoyándose en las interpretaciones de los protagonistas, ofreciendo momentos de contención y serenidad que se rompen con la contundencia de la violencia que se desata.

Los responsables de la película generan una atmósfera insana e incomoda, acompañada por una banda sonora fría y contundente, que sirve como escenario perfecto para el perverso y violento enfrentamiento que mantienen los protagonistas.

Para ser una producción española, es digno de aplauso, el atrevimiento y resultado ofrecido por la película, pero inevitablemente, no puede eludir las comparaciones con el cine americano. De esta manera, aunque se trate de un correcto thriller de venganza, no deja de recordar en exceso a muchas producciones americanas, que en el otro lado del charco, no alcanzan tanto renombre.




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Fallece Jake Lamotta


Sigue pegando fuerte haya dónde vayas

19 de septiembre de 2017, fallece una de las grandes figuras del boxeo, Jake LaMotta, el legendario boxeador que inspiró la película Toro Salvaje, de Martin Scorsese, falleció este martes a los 95 años. El púgil estadounidense, campeón mundial de los pesos medios, protagonizó una tremenda rivalidad con 'Sugar Ray' Robinson, a quien sólo venció en una de sus seis peleas. En sus 106 combates consiguió un récord de 83 victorias y 19 derrotas (cuatro nulos). No se trata de una estrella cinematográfica, pero su imagen, impacto y leyenda, hacen que consideremos oportuno dejar un espacio para su recuerdo.
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Noticias del mundo real con el cine

Lo que ocurre últimamente por el mundo de las noticias, nos ha hecho comprobar que la realidad en muchas ocasiones supera la ficción. Por este motivo, abrimos nueva sección En Mi Cine. En ella, haremos referencia a noticias que superan o coinciden con historias desarrolladas en algunas películas, dejando claro que en muchas ocasiones la realidad supera la ficción. Comenzamos con una noticia del 2017 que nos ha hecho recordar todo un clásico del terror y el suspense, El fotógrafo el pánico (1960). Es posible que el argumento de la película, no guarde estrecha relación con lo visto en la misma, pero es innegable que el crimen, era cometido por un fotógrafo

Noticia publicada el 19 de septiembre de 2017: La Policía Nacional detiene en Madrid a un fotógrafo de 24 años como presunto autor de siete delitos contra la libertad sexual de chicas entre 16 y 25 años. Las víctimas, de distintas provincias, establecían una relación de confianza con su agresor a través de una conocida red social a través de la que les proponía hacerles un «book» fotográfico de manera gratuita.

No



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19 sept. 2017


Buena mercancía 

Nos encontramos ante el remake de la película francesa de 2011, Nuit blanche. Todo un ejercicio de estilo dirigido por un correcto y ajustado Baran bo Odar, apoyándose en un reparto internacional, encabezado por el ganador del Oscar, Jamie Foxx (Collateral, Ray, Django desencadenado), para desarrollar la historia de un agente que se encuentra en medio de una red de policías corruptos implicados en el control y vigilancia de un casino. 

Los responsables de la película juegan con los tópicos habituales vistos en las historias policíacas y de mafiosos, ofreciendo toda una galería de personajes con diversos intereses enfrentados.

Notable, genuina y apasionante película de acción, presentando toda una historia de engaños, traiciones e intereses, donde por decirlo de alguna manera, tu mayor enemigo se encuentra camuflado entre lo que puedes considerar tu casa.
La película se apoya en una premisa atractiva que, inicialmente, puede resultar compleja de seguir por el baile de personajes e intereses existentes, pero que una vez va tomando forma, conduce al espectador a una catarata de secuencias de acción llenas de suspense y tensión. Todo ello, apoyado en un argumento magnético y sugerente, donde el engaño, las artimañas y los intereses personales conducen la historia a un desenlace trepidante y sorprendente.

Esta nueva versión se apoya en el gancho comercial de las estrellas protagonistas de su relato, donde, Jamie Fox y Michelle Monaghan, tendrán mucho por lo que luchar para desmantelar la red de engaños existente en el mundo de las drogas.
Cuenta con una ajustada fotografía, ofreciendo una resolución de imagen sencilla y eficaz. Todo ello acompañado por una banda sonora que no desentona.

En resumidas cuentas, Noche de venganza, es un poderoso juego de intereses donde todo vale para mantener ventaja sobre el rival y, en este caso, los responsables de la película se ganan al espectador, logrando ofrecer un entretenimiento satisfactorio. Igual no es la octava maravilla del mundo del cine, pero entretiene y mantiene el interés en todo momento. No le puedo pedir más, me ha dejado satisfecho

Otros trabajos destacados de sus intérpretes. 




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17 sept. 2017


Bucle artístico

Producción en imagen real que adapta y se inspira en la obra homónima de Ransom Riggs, puesta en manos de uno de los directores más virtuosos e imaginativos, Tim Burton (Charlie y la fabrica de chocolate, Sleepy Hollow, Alicia en el país de las maravillas, Big Fish, Sombras tenebrosas, Batman), sirviéndole en bandeja numerosas oportunidades para explotar su toque más peculiar.
El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares es una nueva demostración de la crisis artística y de ideas por la que está pasando Tim Burton, que firma un relato basado en todo un best seller,  plagado de ideas que, en su época, fueron revolucionarias pero, en la actualidad, ya no sorprenden.
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Una versión de El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares en manos de Tim Burton podría presagiar una historia llena de colorido, imaginación y mundo de fantasía, sin embargo, la sensación con la que me quedé, es que el resultado final es un plato precocinado que pierde la autenticidad del sabor del buen cine; queda en una historia sin fondo y absurda, perdiendo la esencia y la magia de una obra original.
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Tim Burton, empieza a dar síntomas de debilidad con una producción con la que podría haber vuelto a conquistar al público, con un relato que invitaba a ser optimistas, al contar con elementos idóneos para el particular cine de su director, pero no convence por completo. Detrás del espectáculo que ofrece, se supone que hay magia misterio y cosas nuevas, pero lo que hace en realidad es caer en un bucle artístico, con el que deja la sensación de haber comercializado su propio arte y espíritu. Ha vendido su personalidad al mejor postor y ha hecho que las grandes productoras dominen la función, con unos efectos especiales que no llegan a convencer.
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Puede que ahora los efectos especiales hayan cubierto momentáneamente sus defectos como historia, pero lo cierto es, que con el tiempo quedarán pasados de moda y dejarán al descubierto las carencias de esta película vacía y pretenciosa. En el reparto podemos encontrar a rostros poco habituales del cine de Burton, como un excesivo e histriónico Samuel L. Jackson (Django desencadenado, Pulp fiction, El protegido, Jackie brown), ofreciendo una interpretación que recuerda a otras realizadas anteriormente.
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Los responsables de la película apuestan e inundan el relato de efectos digitales, llegando a saturar y cansar al espectador. Lo que, en principio, podría ser un reclamo interesante y atractivo, termina por decepcionar y cansar, dejando en evidencia las limitaciones para desarrollar un argumento sólido e interesante. Los seguidores de Burton, considerarán que lo que digo es un ataque hacia su obra. Pero no, a mi me gusta el cine de Burton, pero, últimamente, anda decepcionando con algunas de sus obras. Si lo analizamos en profundidad, el director se está dejando llevar por los remakes, y se está olvidando de ofrecer cosas nuevas; Sombras tenebrosas, Charlie y la fabrica de chocolate, Alicia en el país de las maravillas, junto con la versión de El planeta de los simios, son claros ejemplos de este preocupante mal.
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En resumidas cuentas, esta adaptación de El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares queda lejos de ser una maravilla y hace que algunos nos cuestionemos el futuro del cine de Tim Burton, una auténtica decepción que ha entrado en un bucle artístico.

Otros trabajos destacados de sus responsables. 






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